Artista in: Alejandro Rosemberg

Por Loli Barilari

Esta vez, nuestro Artista in pisa con realismo. Inspirado en Escuelas Clásicas y en grandes maestros, se presenta desafiante ante un entorno artístico acostumbrado al binomio "artista contemporáneo-excentrisísmo". En la vereda del frente, Alejandro Rosemberg retoma la pintura figurativa en su estado más puro, pero justamente por esto, no sencillo. Apreciar el trabajo de este artista autóctono es un orgullo para Córdoba y, ante todo, una excelente oportunidad para disfrutar de obras llenas de vibración. 

Retrato de mi Padre I.  Óleo sobre tabla entelada, 42 x 25 cm. 2005

De acá

Alejandro nació en Córdoba en 1981. Allí estudió artes plásticas, y continuó su formación de la mano de Claudio Bogino, con quien profundizó su formación en dibujo y pintura clásica basada en la tradición Italiana.

En el 2008 se mudó a Buenos Aires como alternativa para proyectar su obra. Actualmente vive ahí, donde pinta y enseña. Asegura que esta experiencia ha influido positivamente sobre su trabajo, incluso con un impacto concreto sobre las imágenes que crea. Sin embargo, mantiene un fuerte lazo emocional con Córdoba. Considera que nuestra ciudad posee un excelente nivel de produccion artistica, y que volvería a vivir aquí.

Su obra

Alejandro  pinta principalmente en óleos y dibuja representando retratos, objetos y figuras de manera realista y con gran calidad estética. 
Busca su inspiración en el contexto que lo rodea. Cree que la obra debe ser reflejo de este entorno. Así se nutre de la música, la literatura, los viajes, y de diferentes fuentes que le trasmiten mensajes a su alrededor, para luego plasmarlos indirectamente en sus pinturas. Alejandro confía en este intercambio y la conexión con el medio, al cual define como menos celoso de lo que se piensa. Dar clases, visitar galerías, reunirse con otros artistas, sacar fotos, o planear alguna muestra, todo es nutritivo para la creación artística. "En mi vida actual todo gira en torno al arte. Es una actividad de dedicación exclusiva."

Desnudo recostado II. Óleo sobre tabla entelada, 30 x 60 cm. 2008

Pero si hay algo que Alejandro no deja al azar, es su forma de trabajo. Es disciplinado y detallista, "tengo mucha disciplina y me parece fundamental. Mis sesiones de pintura suelen durar unas ocho o nueve horas promedio". Le preocupa producir de manera cuidada y profesional. Es un profundo buscador de la calidad, "aunque esto signifique una producción mas limitada". Este minucioso cuidado de la técnica, se víncula directamente con la necesidad de comunicar desde la belleza, la armonia, la gestualidad e  incluso, desde composiciones irónicas.  

Serie Mudanzas I. Óleo y acrílico sobre tela, 150 x 150 cm.  2008

  

Un desobediente clásico

Alejandro es un realista positivo. Busca reflejar su visión del mundo, y lo hace desde el realismo "porque es un lenguaje accesible que facilita la conexión entre la obra y el espectador. Permite a todas las personas relacionarse con el arte sin exigir conocimientos previos."

Desnudo Femenino (MR3). Óleo sobre tabla entelada, 105 x 100 cm. 2004

No le gusta que confundan su obra con Hiperrealismo. Asegura que en sus pinturas reproduce la realidad distorsionándola desde su punto de vista, "muchas personas creen que mis obras se ven como fotografías. El hiperrealismo, es un movimiento artístico que busca reproducir la realidad con calidad y objetividad fotográfica. Por el contrario, mis intenciones  no son fotográficas sino pictóricas."

 

En este sentido, los temas y situaciones que representa Alejandro son diversas: armónicas mujeres envueltas en sensuales y solitarias sombras, vagabundos pensativos, rostros expresivos y turbados, e incluso naturalezas muertas en exquisitas composiciones  de basura en su más delicada belleza.

Naturaleza Muerta (3) / Óleo sobre tela / 80 x 130 cm / 2009

Alejandro difiende su apuesta. Se siente cómodo con el realismo, porque es un lenguaje que llega a todo el mundo, y porque se conecta con el oficio de pintor desde su sentido clásico y puro, el cual "hoy está bastante bastardeado". En este sentido, defiende la recuperación sin miedo de escuelas y maestros clásicos, como una vuelta a la formación del pintor.

Gran proyección

En un medio que quizás aún no valora el tipo de trabajo que hace,  Alejandro pone su mirada afuera del país, "los salones oficiales tanto como Arteba, están orientados a otras tendencias artisticas, con lo cual he ido construyendo mi carrera afuera. Es complicado porque nadie te enseña a proyectar una carrera artística."

"Victoria". Óleo,  28 x 20cm. Ganadora de "The Artist's Magazine Portrait 2010", EE.UU.

Así, sus trabajos han sido expuestos y vendidos a diferentes colecciones tanto en  Córdoba, Buenos Aires, como en Estados Unidos, Grecia, Holanda, España y Brasil.
Actualmente trabaja con dos galerias de arte fuera de Argentina: la Principle Gallery  en EE.UU y la Rarity Gallery en Mykonos, Grecia.

Además, el 2010 fue un buen año para Alejandro: participó en varios concursos internacionales con buenos resultados.

Naturaleza Muerta nº12. Óleo sobre tela, 85 x 120cm. 2010.
Esta pintura fue seleccionada para el Salon Nacional 2010 y gano un 1º Premio en The Artist's Magazine's all Media Art Competition.

Selección

Aquí les dejo varias obras de nuestro Artista In para disfrutar de su delicada producción.

Retrato de mi Padre IV. Óleo sobre tabla entelada , 42 x 25 cm. 2005

"Juliana". Óleo, 40 x 30cm. 2010

"Lilen". Óleo, 50x35 cm. 2011

Serie Mudanzas II.  Óleo y acrílico sobre tela, 100 x 160 cm. 2008

"Naturaleza Muerta nº8". Óleo sobre tela 60 x 130cm. 2009.

Naturaleza Muerta II. Óleo sobre tela, 60 x 100 cm. 2008

"Creo que pintar es pensar y que las imágenes son textos, 

por ello a través de mis trabajos reflexiono sobre el mundo en donde vivo 

y sobre el espacio que el arte ocupa en el mismo. 

Me interesan particularmente dos conceptos: 

la belleza, en un sentido amplio, y el oficio (en la ejecución de la obra). 

Ambos conceptos devaluados a lo largo del último siglo 
y sin embargo tan necesarios para el desarrollo del ser humano
y del arte"

Alejandro Rosemberg
www.a-rosemberg.com 

*Quisiera agradecer a Alejandro por su interés en participar de la sección Artistas IN, por su paciencia y material aportado. Grande Alejandro!

Breves: Moby, un artista diverso

Por Loli Barilari

Ya no es novedad. Cada vez aparecen más proyectos en el que se combinan múltiples formas artísticas. La fusión de sensibilidades plásticas con el buen gusto musical, o la creación literaria con potentes ilustraciones dejan de ser simples producciones complementarias, para comenzar a ser necesarias. ¿Un concierto sin visuales? ¿Una muestra sin música? ¿Un libro sin una buena tapa? Casi inevitablemente, los consumidores (y los artistas) eligen gozar del arte en variadas conexiones.

Así lo entendió, el mítico compositor de música electrónica, Moby. Tras su fuerte paso en los `90, el artista norteamericano vuelve con un trabajo fusión. El pasado 28 de julio presentó un disco que combina música, fotos y textos de su autoria. 

Titulado Destroyed, se trata de una edición de tapa dura, publicada por Damiani, en la que se recogen 55 fotografías tomadas por el artista durante sus giras en diferentes partes el mundo. A tono de diario íntimo, es posibe pasear junto a él y vivir sus sensaciones en el trasfondo de intensivos tours. Largos períodos de tiempo en masiva y ajetreada compañia, pero en total soledad y reclutamiento, dieron fruto a una obra multidisciplinar. 

"I believe she is the nun of the future.", Toronto.

Quizás esto es lo más interesante del proyecto: compartir fugaces pasos por el mundo, la felicidad, la adrenalina, la emoción, la nostalgia, el cansancio, los amaneceres, los aeropuertos, los aplausos, y otra vez una solitaria habitación de hotel. Poder mostrar este lado del show y hacerlo a través de música, palabras e imágenes, es la apuesta que debemos reconocerle al músico. Fiel a su perfil activista (es miembro de diferentes organizaciones de conciencia anticapitalista, promueve la música como terapia, y se adhiere a la vida naturista), Moby presenta un trabajo que abre su mirada autoreferencial y la hace pública. Sin entrar en debates de gustos y calidad, ya que esto puede ser visto como un simple capricho del artista en mostrar sus fotos, lo cierto es que Destroyed presenta un recorrido sensible sin revoques ni maquillajes.

"On one hand i find quasi-empty regional airports to be disconcerting. but i also find them to be strangely calm and beautiful. it’s like everything has just ended and will stay this way forever.". Viena

"Another picture with only 3 elements. something about reductionist simplicity is very comforting to me. i also like the idea of telescopes looking at an empty ocean", Barcelona.

Para seguidores de Moby y aquellos que quieran conocer sobre su propuesta, les dejo un imperdible de Destroyed. Su página web que nos regala un mapamundi musicalizado, con un recorrido a gusto del consumidor. 

Si de viajar se trata, esta puede ser una buena opción.

Destroyed. The Broken Places 

Crear, el mejor antídoto

Por Loli Barilari

Todos queremos estar bien. Hoy intentamos no sólo combatir dolencias físicas, sino también, resolver cuestiones emotivas y estados de ánimos, como la ansiedad, miedos, o la violencia. En este punto, la medicina (o más bien algunos médicos), y la psicología, se animan a reconocer que el trabajo práctico sobre las emociones, resuelve cuestiones profundas que nos atormentan. Así, afirman que el acto de crear una obra de arte, nos permite expresar sentimientos de manera natural, y nos aporta gran vitalidad. El arte se presenta como una opción, que a su fin estético y social, se le suma una capacidad sanadora y "altruista" de hacernos sentir bien. 

"La noche estrellada", Vincent Van Gogh. 1889. Vista pintada por el pintor desde su cuarto en el sanatorio donde se recluyó al final de sus días.

 
El arte como terapia

Jean Pierre Klein, psiquiatra fránces y director de teatro, es considerado el padre del Arteterapia. Él asegura que “toda persona es creativa", y que la necesidad de crear es un impulso innato, que nos hace sentir vivos y ayuda a nuestro bienestar. Según Klein, el arte estimula la capacidad imaginativa de toda persona, actuando además como un medio de expresión y satisfacción. En este sentido, podemos decir que el arte es esencial para el desarrollo intelectual, emocional y mental de todos. Realizar una obra de arte nos invita a imaginar, explorar, transformar. La obra es un medio con el cual se puede tratar un problema de una manera indirecta y menos agresiva, convirtiendo lo molesto en algo agradable. No se destruye, sino que se construye.  

Jean Pierre Klein

El origen

Esta nueva función del arte, tiene su origen en la posguerra europea. El inglés Adrian Hill (1895–1977), un artista que convalecía en un hospital, liberaba su nostalgia y sus angustias pintando. Comenzó a compartir con otros enfermos los efectos que ejercían sobre él esta actividad. Resultó que a algunos pacientes esto les sirvió para poder comunicar por medio del dibujo o la pintura los sufrimientos que habían vivido en el campo de batalla. Al terminar la guerra, Hill trabajó en el hospital convirtiéndose en el primer terapeuta artístico. 

"Uno entre muchos", Adrian Hill. Carbón y tizas, 1974.

Sin embargo, el reconocimiento del arte como una terapia complementaria es relativamente reciente. Hace aproximadamente dos décadas se lo considera una disciplina independiente, incoporándola como asignatura en centros y facultades de medicina de todo el mundo. Hoy Estados Unidos, es el país en donde se encuentra más desarrollada su aplicación.

Arte en bruto

La producción artística permite crear metáforas sobre un problema. La obra es capaz por un lado de aportar información muy valiosa acerca de nuestro mundo interior,  pero a su vez, ofrece un aspecto catártico y pone su énfasis en la espontaneidad. No importan los saberes artísticos o técnicos. Todos podemos crear, y de allí nace el Art brut: el arte producido por individuos ajenos al mundo artístico. Jean Dubuffet acuñó este término en 1945, y afirmaba que todos llevamos un potencial creativo que las normas sociales anulan. Este pintor fránces se separó de la concepción sofisticada del arte, para trabajar desde un lado más humano y real. Decía que era imposible competir con los niños y los "locos", quienes crean puro arte. Dubuffet prefirió un arte menos lindo, pero más humano, y que todos podemos crear. 

Pintura de Jean Dubuffet

Para todos los gustos
Todas las actividades artísticas poseen cualidades terapéuticas como  la relajación y la divertisión, pero hay diferentes formatos, cuya aplicación terapéutica dependerá de cada caso.

El arte como terapia abarca diferentes especialidades, como la musicoterapia, la danza/movimiento terapia, el psicodrama, y el arteterapia propiamente dicho, que se utiliza más para hablar de plástica.

Es importante encontrar el medio adecuado para cada persona. Por ejemplo, en el caso de personas con problemas de anoréxia o bulímia, es mejor no trabajar con el teatro o la danza, porque resultan agresivos.

El arteterapia que utiliza la plástica como recurso, se sirve de dibujos,  esculturas, collages y demás técnicas provenientes de la misma rama. En ocasiones, los dibujos nos aportan información que jamás comunicaríamos de otra forma.

Locura-creación, o ¿Genialidad?

Existen obras íconos de la historia del arte, que posiblemente fueron motivadas por las enfermedades que padecían sus autores. Esto lo afirmaron clínicos de la Universidad de San Diego (EE.UU),  quienes estudiaron la vida de algunos grandes genios de la pintura.


Vincent Van Gogh (1853-1890) 

 Autoretrato, 1889

Vivió una vida perturbada, en la que gobernaban los pensamientos oscuros. De ellos, quizás explotó la luz que caracteriza sus óleos. Era solitario y padecía de esquizofrenia afectiva. Su producción más cautivante e intensa, la realizó en una etapa de aguda psicosis. Tan intensa era su relación con la pintura, que se dice que se hizó adicto a la trementina, un compuesto tóxico con el que se elaboraban las pinturas de óleo. En medio de crisis y estados de ansiedad, Van Gogh se comía sus pinturas.

"El cuarto de Van Gogh en Arles", 1889. 

Edvar Munch (1863-1944)
Pintor y grabador noruego expresionista. Manifestaba desequilibrios mentales, a los cuales, según sus palabras, no quería renunciar. En su cuadro “El grito“ (originalmente titulado "Desesperación"), el pintor dijo haber retratado el momento en que se ponía el sol y el cielo se teñía de color sangre. Esta obra es considerada como clave de la angustia existencial.

"El grito", 1893

Frida Kahlo (1907 -1954)
Gran pintora mexicana, símbolo de libertad y del Nuevo México. Sufrió un grave accidente cuando era niña,  lo que la obligó a someterse a múltiples operaciones a lo largo de su vida, además de no poder tener hijos. Su padre le construyó un caballete y le regalo pinturas con las que empezó a crear. Así comenzo un intensa serie de autoretratos, en la que se reflejaba llorando, con órganos exteriorizados, en salas de cirujías y corazones sangrantes. Se trata de una pintura profundamente autoreferencial con la que quizás intento curar sus heridas, tanto físicas como emocionales.

"Las dos Fridas", 1939

"Sin Esperanzas", 1945

El pequeño artista que todos llevamos dentro
Todos podemos encontrar en el arte la posibilidad de sentirnos mejor. Su simple esencia creadora y la estimulación que ejerce en nuestra imaginación, nos asegura una mente clara y un espíritu sano. No debemos tener miedo de ser un poco artista, ya que producir eligiendo el formato que más nos gusta, ayuda a descubrir lo que guardamos en nuestro interior. Acompañar tratamientos con arteterapia, nos devuelve el equilibrio que siempre anhelamos.

Para los que estén interesados en formarse o 

saber más sobre el tema, aquí van algunas coordenadas:

Asociación Argentina de Arte Terapia:Tiene formación anual que empieza en marzo. Realiza Ateneos arteterapéuticos, cada mes en el Hospital Británico de Buenos Aires. Contacto: info@asoarteterapia.org.ar

Escuela Argentina de Arte terapia: Cursos regulares o de modalidad intensiva. Además ofrece talleres y seminarios en diferentes ciudades. Contacto: 4855-9222

*Me gustaría agradecer a mi amiga Juliana Luz, por los tips para este post, y por su incandescente y sensible trabajo en arteterapia.

Artistas in: Elian

Este mes, salimos a buscar nuestro Artista in a la calle. 

El arte outdoor sigue pisando fuerte, y Córdoba se mantiene despierta. Entre las intervenciones y obras que hoy visten nuestra ciudad, es inevitable no toparse con Elian. Se trata de uno de los street artist locales más activos y apasionados.

Juega de local

Elian nació, vive y morirá en Córdoba capital. Dice amar la ciudad que tiene como lienzo, porque “es casi tangible el crecimiento que esta teniendo, que las personas todavía conservan su alma, y puedo pintar tranquilo." Eso lo seduce y conquista, convirtiendo este amor en una cruzada de arte urbano con la que pretende dejarle un sello a la ciudad. Él no se acostumbra a los tonos monocromáticos, y evangeliza el graffiti como la posibilidad de transformar los rincones de Córdoba en obras de arte. 

Elian asume sólo dos cosas negativas en nuestra ciudad: “que haya personas que no la valoren, y que no tenga mar”. Son sólo cuestiones insignificantes, teniendo en cuenta que para él “Córdoba es diamante en bruto."

Si de crear se trata

Elian es diseñador gráfico por vocación y street artist por devoción.

Como diseñador trabaja en un estudio y realiza proyectos como freelance. Dice que es difícil vivir del arte, y que el diseño es la posibilidad que le permite seguir haciendo lo que le gusta.

Como artista urbano, Elian hace graffitis desde el 2004. Sin parar, sus acciones han sido individuales, y principalmente colectivas. Este tipo de arte, exige de una fuerza conjunta. Acompañado por otros artistas a través de colaboraciones o invitaciones, Elian creó, motivó y ha sido motivado. 

Mural realizado por Elian, Oster, Blunt y Marea, parte del grupo TKMDC

Del graffiti dice que hay dos cosas que lo obsesionan. Por un lado la tipografía, por la complicación que supone y la necesidad de sobreutilizar la técnica. Y por el otro lado, los aerosoles. En ellos encontró toda posibilidad de expresión. El sentir que pintaba en el aire, sin tacto, fue lo que lo terminó de fascinar y lo volvió loco.

De su relación con la calle, la gente y el vandalismo, dice que las graffitis son aceptados. Asegura que los vecinos prefieren una pintada, antes que la propaganda política, “eso es lo que realmente vale, es la herramienta más fuerte, que la gente lo acepte”. Él se siente apoyado, y considera que una expresión pública que se hace con un sentido comunicativo, estético o reflexivo, es arte y no tiene nada que ver con la imposición de los mensajes políticos. 

Sus trabajos

Elian intervino varias ciudades de Argentina, de punta a punta. Trabajó con artistas como Dolores Cáceres, el director de ballet Gustavo Cervera, el poeta Vicente Luy, y compartió paredes con las figuras mas importantes del street art argentino.

Intervención del corazón de Dolores Cáceres, 2009

Entre algunas expos y colaboraciones en las que participó, podemos nombrar "DE ACÁ", Nike Dunk Be True, Tratado de Integración LEGION 02, El eco de tu perfume todavia esta en mi piel, Verso Blanco, Sangre Gris, Avalados Vándalos,  el ¡AFUERA! del Centro Cultural España Córdoba, Puma Urban Art, y Wood Bye.

Elian no le tiene miedo a los nuevos desafíos y propuestas, "estoy abierto para trabajos, viajes, colaboraciones, cafés...."  Un grande.

Abrimos la galeria

Aquí les dejo una selección de trabajos de nuestro artista. Se trata sólo de una parte de lo que sus multicolores aerosoles son capaces de estampar.

Pared pintada junto a Oster, Fedecamm, Cami, Blunt y Leza (Francia)

Pared pintada junto a Oster, Blunt y Leza (Francia)

*Para conocer más sobre el trabajo de Elian, 

no dejes de visitar su sitio web e imágenes en Flickr.

www.elianelian.com.ar

www.flickr.com/photos/eliannn

Bonus Track

Les dejó una entrevista a Elian, Drop y Logos, otros graffiteros de Córdoba.

Fuentes:

. "El chico que se enamoró de la calle y escribe su amor en las paredes", Emanuel Rogriguez, VOS

.  "Graffiti, el mundo tras el aerosol",Artífices , Escuela de Ciencias de la Información, UNC. 

Odio al arte

Por Loli Barilari

Amar al arte es también odiarlo. Así lo aseguran algunos colectivos que se oponen al negociado que para ellos supone el arte contemporáneo.
Sobre este tema Kiko Amat, periodista cultural y anglófilo, sacó recientemente un artículo en el suplemento cultural de La Vanguardia, confirmando que el odio al arte es tener unas inmensas ganas de romper a sillazos el tiburón de Hirts, pieza obsoleta si las hay, pero valorado en 18 millones de doláres.
Y es que creo que todos alguna vez sentimos desilusión al ver un cuadro abstracto, con sólo una mancha, o nos causó desconcierto una escultura, con una misteriosa forma indescifrable. Esto puede generar menosprecio al arte. Pero no sólo por no poder entenderlo, sino sobretodo por lo elitista que tiende a convertirse.

Amor-Odio
No podemos discutir que el arte actual, es variado y se presenta en múltiples formas y mensajes. Sin embargo, también debemos reconocer que esta diversidad provoca ambiguedad. Así, se plantean polémicas entorno a su pureza,  y a su tendecia hacia la frívolidad, además de lo poco claro que a veces resulta su comercio. El mercado del arte posee gran poder, es manipulador, especulativo. Ya nada nos sorprende, desde que Banksy, estrella del street art, se convirtió en uno de los artistas más codiciados en las subastadas de Sotheby’s, refinada casa de Nueva York. 

Con la intención de profundizar en la gran incógnita de cuál es el valor del arte, y cuál su rol en la economía capitalista (gran debate), les propongo conocer algunas tendencias que dicen ser odiadoras del arte.

Los Art Hate

Art Hate, es un colectivo inglés integrado por artistas que organizan eventos anti arte y realizan obras con tono contestarlo.

Coordinados por el taller independiente L-13 (Light Industrial Workshop) de Londres, surgieron a mediados del 2009, de la mano del pintor y músico de punk-rock Billy Childish. Al grupo se unió Jamie Reid (antiguo diseñador del los Sex Pistols) y James Cauty, ex miembro del dúo "The KLF" y del grupo activista "K Foundation”, antecesor de los Art Hate. Los K foundation lograron fama mundial tras quemar públicamente un millón de libras en 1994, además de organizar el premio K Foundation 1994, en 1993. Este galardón fue otorgado al peor artista del año, que en aquella ocasión fue Rachel Whiteread, ganadora a su vez del premio Turner, de la Tate Gallery para el mejor artista británico del año.  

Los Art Hate funcionan como una sacudón ante la aceptación del arte como un recurso de élite. Se oponen al arte contemporáneo que no parece tener sentido y que sólo busca ganar más dinero. Buscan terminar con la emoción manipulada, y destruir el mercado homogéneo, no crítico y su popularismo aburrido.

Algunos enemigos del Art Hate, son los artífices del shock-art , arte de choque, que utiliza recursos turbadores para sorprender al espectador. Este tipo de arte, recurre a las sensaciones más íntimas e intensas a través de imágenes escalofriantes, olores o sonidos. Un ejemplo de esto es el artista austríaco irlandés Gottfried Helnwein, quien utilizó su propia sangre para pintar un retrato de Hitler. Los Art Hate ven a este arte como inútil y patético, además asociarlo profundamente a un fin lucrativo.

Los Art Hate, se oponen, además a las Tracey Emin y los Damien Hirts del mundo. Tracey Emin es una famosa artista inglesa, conocida por su obra "My bed", en la que presenta su propia cama en un ambiente de dejadez total, rodeada por objetos personales como ropa interior y condones.

Se oponen a Damien Hirts, quien a dominado la escena del arte desde principios de los 90, siendo el artista vivo con la obra mejor pagada. Él es conocido por su serie de Historia natural, en la que animales muertos son preservados en formol. Uno de sus trabajos más polémicos, es la pieza de la que hablaba Kiko Amat, "La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo": un tiburón real en una vitrina.

"La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo", Damian Hirts. 1991

 

Los Art Hate protestan, pero pintando cosas excelentes. Realizan campañas de marketing de guerrilla, organizan la semana del odio al arte, preparan exposiciones, publicaciones, graban discos, realizan objetos, collages, y carteles políticos de estilo antifascista. 

Dicen señalar con un dedo a los políticos, y con el otro a los alumnos de universidades privadas. Utilizan un símbolo de gran fuerza y controversia: una esvástica colgada de una horca. Para ellos este recurso es un emblema de resistencia contra el fascismo cultural, dominado por burócratas del arte.

Sus carteles tienen frases como “Qué ha hecho el arte por ti’”, o “Actúa como una mujer real. Unete a las mujeres que odian el arte” o “El arte nos hará libres”. Uno de sus últimos trabajos fue la serie de carteles publicitarios del ultraderechista Partido Nacional Británico (BNP). En este caso difundieron un detergente, con el slogan, "El BNP Power. Lava más blanco”.

*Para curiosear en la página de los Art Hate,aquí


El Stuckismo
"El arte que necesita estar en una galería para ser arte, no es tal"
 

Billy Childish hacía ya 10 años que había formado otro movimiento inconformista. Eran los Stuckistas, surgidos en 1999, junto a Charles Thomson. Nació con el fin de promover la pintura figurativa, ante la gran movida  del arte conceptual.

Se autoproclamaban buscadores de lo autentico y pusieron en valor la pintura como medio expresivo, frente a la superficialidad que veían en l arte conceptual, tan de moda en ese momento. 

Los Stuckistas escribieron un manifiesto en el que dejaron clara su visión del arte, donde no existe el gris. Radicalmente afirmaron que, "Los artistas que no pintan no son artistas". Además de estas declaraciones tan provocadoras, planteaban una consciencia más pura del arte, sin contaminación comercial. Apostaban por el artista amateur, entendiéndolo no como principiante, sino como amante del arte. Se alejaron de los premios, de las instituciones oficiales y de cualquier academicismo, abriendo su propia galería.

Realizaron protestas burlescas enfrente a la Tate Gallery, en contra del premio Turner y montaron una exposición títulada "Un tiburón muerto no es arte", donde exhibieron un tiburón de Eddie Saunders, que ya había sido expuesto en 1989, dos años antes que el de Hirst.

Finalmente, el Stuckismo, a pesar de negarse a los ismos, fue un movimiento firme, que propusó pensar sobre el egocentrismo de ciertos artistas, y el conservadurismo con el que se mueve el arte.

 *Para leer el Manifiesto Stuckista pincha aquí

Si te interesa seguir el debate

Para ahondar en las polémicas planteadas por estos grupos anti arte, podés mirar el documetal dirigido por el mismo Banksy, 'Salida por la tienda de regalos', donde podrás conocer cómo surgió Brainwash, un street artist, que como Banksy, se subió a la cresta de la ola.
Para leer, 'El Tiburón de los doce millones de dólares', de Don Thomson. En el libro se develan las estrategias que impulsan precios disparatados en el mercado del arte.

Otra opción es el documental 'La burbuja del arte contemporáneo', de Ben Lewis. Allí descubrirás el impacto de la actual crisis económica en el mercado del arte y como éste se mantuvo sin caídas gracias a la especulación. 
Aquí te dejo el enlace para que lo veas on line

  No pares de pensar

Espero este tema haya despertado debates, reflexiones, o la mera curiosidad de algunos. Lo importante es poder ser críticos con el arte y con ciertos artistas. Sobretodo con aquellos que ya han alcanzado fama, y que en algunos casos,  pueden estancar la evolución y surgimiento de nuevas propuestas. 

Saber además que el arte responde a la misma dinámica que cualquier otro objeto de nuestra sociedad, no es mala palabra. Simplemente, es necesario poder medir hasta donde el fin lucrativo de una obra, se impone sobre su mensaje.

Fuente:
Kiko Amat, "¿Arte conceptual?¡Capullo!", Culturals, La Vanguardia, 18 de mayo 2011.